ANDREA F E R R A R I O

Andrea Ferrario Chitarra classica/ classical guitar R E S P I R O / B R E A T H A N D R E A F E R R A R I O c h i t a r ra c l a s s i c a / c l a s s i c a l g u i t ar Francis Poulenc, Mario Castelnuovo-Tedesco e Hans Werner Henze. Tre protagonisti della vita musicale del loro tempo, compositori ampiamente apprezzati e oggetto di costante studio e approfondimento, vengono in questo programma uniti da un minimo comune denominatore: la loro musica per chitarra. Francis Poulenc scrive la sua intensa Sarabande nel 1960, durante un soggiorno a New York, su invito della casa editrice Ricordi, che intendeva pubblicare un’antologia per chitarra con brani di autori contemporanei. Si tratta di una composizione brevissima, di poche battute, che entra rapidamente nel repertorio colto per questo strumento grazie alla sua capacità di evocare, attraverso un linguaggio essenziale, le atmosfere mistiche tanto care al Poulenc di quel periodo. Mario Castelnuovo-Tedesco, a differenza di Poulenc, dedica numerosissime opere alla chitarra, inizialmente grazie alle commissioni del suo amico Andrés Segovia, per il quale scrive brani solistici, cameristici e concerti con orchestra. In questo caso specifico, autore e interprete sembrano scolpire un’epoca: la cantabilità innata e le atmosfere arcaiche, peculiari della musica del compositore toscano, incontrano il lirismo e il virtuosismo del grande chitarrista andaluso, dando vita a opere di enorme successo, tuttora eseguite e apprezzate in tutto il mondo. Nel 1961, a Los Angeles (dove si era rifugiato da diversi anni con la famiglia per sfuggire alle leggi razziali) Castelnuovo-Tedesco firma i 24 Caprichos de Goya, op. 195. Si tratta di ventiquattro brani ispirati ad altrettante incisioni del pittore illuminista aragonese, tradotte in eventi musicali di grande fascino: una raccolta estremamente intima e autobiografica, dedicata al figlio Lorenzo, allora pittore dilettante. Nel 1976 Hans Werner Henze consegna alle stampe la prima delle due Sonate Royal Winter Music, segnando uno spartiacque nella storia della chitarra del Novecento. Commissionata dal grande chitarrista inglese Julian Bream, che chiede all’amico compositore tedesco << l’equivalente per chitarra dell’Hammerklavier di Beethoven>>, l’opera è articolata in sei movimenti, ispirati ad altrettanti personaggi della letteratura shakespeariana. Si apre con Gloucester, il cui monologo si trasforma in un brano di forte tensione espressiva, nel quale Henze rielabora lo strumento secondo una concezione estremamente orchestrale; attraversa poi diversi personaggi per congedarsi con Oberon, intensa pastorale dalle atmosfere silvane. P R O G R A M M A / P R O G R A M M E Francis Poulenc Sarabande Mario Castelnuovo-Tedesco da Caprichos de Goya, op. 195 I. Francisco Goya y Lucientes, pintor XII. No hubo remedio (Passacaglia sul tema del Dies Irae) XXIV. Sue.o de la mentira y inconstancia Hans Werner Henze Royal Winter Music – First Sonata on Shakespearean Characters * I. Gloucester II. Romeo & Juliet III. Ariel IV. Ophelia V. Touchstone, Audrey and William VI. Oberon * Omaggio a Hans Werner Henze nel centenario della nascita * Tribute to Hans Werner Henze on the centenary of his birth C O S T E L L A Z I O N I . L A T E R Z A S T A G I O N E La terza stagione di Suoni Trasfigurati, dal titolo Costellazioni, prosegue e rinnova l’indagine sul rapporto tra musica e spazi museali, che costituisce l’orizzonte permanente della rassegna sin dalla sua fondazione. La stagione si articola attorno a un pensiero che si costruisce per immagini e accostamenti e che trova nel concetto di costellazione elaborato da Walter Benjamin un orientamento teorico e poetico di riferimento. Nel pensiero di Benjamin, infatti, il significato non 17 «[…] Due cose riempiono l’animo di ammirazione e venerazione sempre nuova e crescente, quanto più spesso e più a lungo la riflessione vi si applica: il cielo stellato sopra di me e la legge morale dentro di me»1 Immanuel Kant «[…] Le idee sono per le cose ciò che le costellazioni sono per le stelle»2 Walter Benjamin 2 emerge secondo una logica deduttiva o sequenziale, ma attraverso costellazioni di elementi eterogenei che, posti in relazione tra loro, fanno affiorare un senso nuovo e inatteso. Come nel cielo notturno – dove stelle lontane vengono messe in relazione dallo sguardo umano, dando origine a figure intellegibili – così anche nell’arte e nel pensiero il significato nasce dalla relazione tra elementi distanti. Costellazioni dispone suoni e luoghi dello spirito in assetti inediti, dando forma a una trama aurale della storia, composta da relazioni inattese in grado di restituire complessità alla realtà contemporanea, secondo una logica affine al montaggio cinematografico e al collage cubista. Nella Teoria estetica3, Theodor W. Adorno riprende questa intuizione, indicando nella tensione tra i frammenti una delle condizioni attraverso cui l’opera può avvicinarsi alla verità. In questo senso, ogni evento sonoro può essere inteso come un punto in cui passato e presente si illuminano reciprocamente. Il tempo si addensa e si contrae: ciò che era rimasto in ombra torna visibile, mentre il presente si rivela abitato dai fantasmi del passato. Costellazioni si configura così come una mappa di suoni pensanti, un atlante acustico che mette in relazione città, architetture, memorie e idee. Ciascun evento è concepito in forma site-specific, costruito in dialogo con le caratteristiche acustiche, storiche e simboliche dei singoli spazi museali. L’elettronica e la sperimentazione sonora, declinate secondo modalità differenti in base ai contesti, costituiscono il linguaggio privilegiato attraverso cui queste configurazioni prendono forma. L’esperienza proposta assume, dunque, una valenza conoscitiva, quasi epistemologica, e apre modalità di accesso al mondo che si articolano come forme sensibili del pensiero. In un presente segnato dalla moltiplicazione dei linguaggi e dalla fragilità delle cornici interpretative condivise, questo approccio acquista una particolare rilevanza. Ogni performance si presenta come un gesto critico, capace di riorientare lo sguardo e di sospendere l’evidenza dell’ascolto abituale – quell’ascolto scontato e prevedibile che riduce la musica e l’arte a esperienze già note – mettendo in discussione ciò che crediamo di conoscere e aprendo spazi inesplorati, inattesi, in cui tornare ad ascoltare davvero, con curiosità, lasciando emergere liberamente ciò che l’abitudine e gli schemi percettivi consolidati avevano silenziosamente oscurato. È in questa sospensione dell’ovvio che prende forma l’approccio costellativo e multidisciplinare che attraversa l’intera stagione. La costellazione, in definitiva, suggerisce un senso senza imporlo, aprendosi a interpretazioni differenti, e si lascia attraversare da ciascuno secondo il proprio sguardo, il proprio ascolto, il proprio passo. Come sotto un cielo stellato, non si tratta di spiegare le stelle, ma di tracciare linee che, per un istante, rendano visibile un disegno, un’immagine, un’idea.